Cortometrajes Promocine 2006.

Hace algunos días tuve la oportunidad de ver cuatro cortometrajes regiomontanos que se realizaron gracias al apoyo de PROMOCINE, un fideicomiso del Estado de Nuevo León para apoyar la generación de proyectos cinematográficos de alta calidad, los cuatro proyectos que resultaron ganadores de la convocatoria del 2006, están ya listos y pronto probaran suerte en los próximos festivales de cine.

Durante la función privada a la que fueron invitados los equipos creativos, familiares y amigos de los realizadores, dieron a conocer los resultados de largas jornadas de trabajo, en una de las salas de la Cineteca de Nuevo León.

Los cuatro trabajos presentados, se ganaron a pulso los aplausos de los presentes al presentar todos, una excelente manufactura; con muy buenos trabajos de fotografía y sonido, algunos de ellos con sonido THX, Dolby, que regularmente solo se ve en el cine comercial de altos presupuestos. En estos trabajos también aparecieron actores locales de teatro y profesionales de cine y algunas locaciones de la ciudad de Monterrey y sus alrededores. Y los cortometrajes son:

A cada cerdo le llega su San Martín de Ismael Nava.
Un par de niños que trabajan para un criador de cerdos, sueñan con viajar algún día, así que planean robarse un cerdo… pero no contaban con algunos enredos y un muy especial cajero automático.

Los Amorosos de José Luis Solís.
Un reportero de nota roja, descubre en la calle a una pareja de vagabundos apodados los amorosos y se vuelven su inspiración para su trabajo y su propia vida sentimental.

Algunas escenas de este corto se filmaron en la avenida Pino Suárez y el hoy casi derruido cine Reforma y en el se incluye un extracto del poema Los Amorosos de Jaime Sabines.

El Quejido de Carlos García Campillo.
Jacinto, un niño, cae accidentalmente en una grieta en el suelo, del cual, se escucha un extraño quejido. Pronto su familia descubrirá que tal vez el mal se encuentra en ellos y no en aquel extraño lugar.

Campillo, se lleva una buena nota, al encontrar muy buenas locaciones, en el pueblo de Icamole y realizar un muy buen trabajo de diseño de producción, vestuario, ambientación e iluminación.

El Toro de Patricio Serna.
Un doctor llega a un lejano paraje en medio de la nada, solo para descubrir que puede sufrir la misma suerte que su antecesor.

Este corto, cuenta con excelentes locaciones y un muy buen trabajo de fotografía.

Felicidades a todos los equipos creativos de estos cintas, es el resultado de mucho trabajo y esfuerzo y mucho éxito con estos cortometrajes.

En el blog de Campillo, puede verse el largo proceso creativo que tomó la filmación de El Quejido, para conocer mas sobre su trabajo, dale clic aquí.

Alfombra roja en El Vaticano.

© New Line Cinema

El día de ayer, por primera vez en la historia, El Vaticano le abrió sus puertas a Hollywood, para realizar la premiere de una nueva película de temática religiosa. Cerca de 8,000 personas se dieron cita a la función a beneficio de la construcción de una escuela en un poblado llamado Mughar en Israel.

Se trata de la cinta The Nativity Story (La Historia de la Navidad) dirigida por Catherine Hardwicke, directora de A los trece y en ella se narra la vida de Maria y José antes del nacimiento de Jesús, así como su peregrinaje a Belén, desde un punto de vista realista, donde ambos personajes son presentados como dos sencillos jóvenes judíos.

La cinta es protagonizada por la joven actriz Keisha Castle-Hughes, de 16 años, en el papel de Maria, quién hace algunos años fue nominada al Oscar por mejor actriz gracias a su trabajo en la cinta La Leyenda de las Ballenas y quién no pudo asistir a la premiere, posiblemente para cuidar su estado de salud, ya que se encuentra embarazada.

La cinta se estrenará el 1 de Diciembre en Estados Unidos y posteriormente en México. E aquí el trailer.

Hijo del hombre.

© Universal Pictures

Visiones fílmicas sobre el fin del mundo hay muchas y de todo tipo, desde catástrofes nucleares, epidemias mortales, hasta las mas improbables como invasiones extraterrestres y rebeliones robóticas. Pero la que se propone en Hijos del hombre, es una de las más realistas y escalofriantes que he visto en mucho tiempo… ¿Y qué tal si el hombre es su propio verdugo?

¿Y que tal si un día la especie humana pierde la capacidad de reproducción? ¿Que tal que la persona mas joven del mundo tiene 18 años, no hay mas bebes ni niños a lo ancho del globo y las escuelas son edificios abandonados y cosa del pasado? ¿Que tal si vivieras en un mundo donde no existe la esperanza y sabes que cada día que vives la humanidad está agonizando? ¿Terrorífico no?

Mucho mas si consideramos que la historia se desarrolla en el futuro cercano, el 2027, y el mundo está en crisis con brotes de violencia generalizada; un día como cualquier otro, la humanidad llora la muerte de Diego, la persona más joven del mundo, Theo (Clive Owen) camina desolado sin esperanza, hasta que su ex esposa se pone en contacto con él para pedirle un favor muy importante: que le ayude a conseguir un permiso para transportar a una joven hacia una ciudad en conflicto… una joven que milagrosamente está embarazada.

© Universal Pictures

Un guión conciso, directo, inteligente y brillante; nos adentra a éste panorama de desolación, concentrándose únicamente en el punto de vista humano, donde no aparecen científicos para explicarnos por que motivos las mujeres no pueden embarazarse, ni las pruebas que realizan para resolver la crisis, ni militares que nos expliquen por que la mayoría de las ciudades del mundo están envueltas en conflictos interminables. Por el contrario, vemos a través de los ojos de gente normal, como nosotros, que no les interesa escuchar explicaciones médicas, que prefieren evadir el tema y tratar de olvidarlo. Un guión exacto que por pequeñas dosis nos va revelando la situación completa en que se encuentra el mundo, que nos regala un momento de alegría antes de que, con una crueldad infinita, nos restriegue en la cara que ésta no es una película feliz.

La fotografía corre a cargo de Emmanuel Lubezki, uno de los mexicanos más talentosos del ámbito del cine, quién nos tiene acostumbrados a imágenes hermosas, esta vez se encarga de retratar el caos, con toda la expresión de la palabra, recreada por un excelente diseño de producción, que detalla magistralmente, tanto la época como el estado anímico de la cinta; cada calle está atiborrada de basura, cada pared está rayada y a punto de desplomarse.

© Universal Pictures

Éste año, los tres directores mexicanos, más reconocidos en todo el mundo han estrenado una cinta, Guillermo del Toro (El Laberinto del Fauno), Guillermo Arriaga (Babel) y Alfonso Cuarón (Hijos del Hombre), y en base a éstas tres cintas, puedo asegurar, que el más talentoso de todos ellos es Cuarón, quien con esta excelente puesta en escena se reafirma como un director, quien a la par de los brillantes aspectos técnicos dota a sus cintas con una profundidad emotiva y temática. Realizando esta vez, una cinta que aporta algo nuevo a la ciencia ficción, demostrando que el género no solo está hecho para desplegar efectos especiales y que se pueden abordar temas tan serios como la esperanza perdida de la humanidad, simbolizada por la falta de niños en el mundo.

Cuando yo era un niño, me enfermaba y me tenían que inyectar, mi Mamá me acercaba una almohada y me decía que la mordiera muy fuerte para que no sintiera tanto dolor, hubo varios momentos en esta cinta, en las que deseé tener una almohada para morderla, como en la pesadillesca y larga, larga secuencia, en la que los protagonistas tienen que cruzar una ciudad en guerra, en la que la cámara casi al ras del piso avanza, al igual que los personajes, ocultándose donde se pueda, donde incluso la sangre salpica la pantalla y lejos de “corregir” el detalle, las gotas de sangre se quedan ahí para hacernos mas dolorosa la vista.

© Universal Pictures

No sé, que opinen los críticos profesionales, pero al menos yo, considero que esta redonda cinta debería de pasar a la historia, al tener logros similares a los de la clásica contemporánea Blade Runner. Por lo pronto me conformo con decir, que es de las mejores que visto en el año y ya una de mis favoritas de todos los tiempos.


Yo opino: ***** (Máxima *****.)


(Children of Man, Alfonso Cuarón, E. U. – Inglaterra, 2006.)

Los Infiltrados.

© Warner Bros.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco… Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.

En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.

Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.

A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.

El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.

© Warner Bros.

La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.

Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.

El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.

En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

Yo opino: **** ½ (Máxima *****)

(The Departed, Martin Scorsese, E. U., 2006.)

El nuevo tema de James Bond.

La nueva cinta, que pretende revitalizar la saga de James Bond, Casino Royale, esta próxima a estrenarse, mientras nos presentan el video de el tema de la película, se llama You know my name y es interpretada por Chris Cornell. No sé ustedes que opinen, pero me parece, aunque buena, no combina con el estilo Bondiano de temas anteriores de la saga.

2º Encuentro de Monólogos N. L. 2006

El día de hoy inicia el Segundo Encuentro de Monólogos Nuevo León 2006, un programa que se extiende a lo largo de una semana, en diferentes espacios escénicos de la ciudad de Monterrey, donde se tendrá la oportunidad de ver uno o dos, monólogos por día, sin ningún costo para los asistentes.

¿Y por qué de monólogos? Esta corriente teatral se a popularizado mucho desde hace algunos años a la fecha, algunos creen que es una solución económica para un montaje, otros, como yo, creemos que es un lenguaje que es una herramienta para contar una historia desde un punto de vista novedoso y atractivo.

Lo cierto es que del 23 de Noviembre al 2 de Diciembre, el público tendrá la oportunidad de ver estas propuestas y formar su opinión. Aquí el programa completo.

Metatextos.

Dicen que una imágen vale más que mil palabras, pero esta vez nos dejaron la difícil tarea de escribir en 250 palabras lo que esta imágen nos provocó. En eso consistió el ejercicio literario que la página Metatextos dejó abierto para quienes quisieran participar y la verdad, cada vez se nota más el interés de los bloggers por entrar a este tipo de labores en la red. E particapado con dos textos y la experiencia a sido bastante buena, pasen a visitar, leer y si se animan... ¡a participar!

Aquí los dos textos que envíe. 1. 2.

Primicias.

Ya esta disponible el trailer de la nueva película de David Fincher, director de Seven entre otras, que trata sobre los intentos por atrapar al asesino del zodiaco, donde participan Mark Ruffalo, Jake Gyllenhall y Robert Downey Jr., la cinta se llama Zodiac.

También ya puede verse un trailer mas completo de Spider Man 3, donde se contestan muchas interrogantes que consumían a los fans. Aquí la liga.

Y para continuar con las ligas, Polly Harvey, se anoto un 10 con un post sobre los 10 momentos históricos del cine (parte 1). Aquí la liga para leerlo.

Feliz puente a todos y por cierto... ¡Que viva la Revolución!

Pases gratis para Cinépolis Sendero.

© Warner Bros.

Hoy se estrena Los Infiltrados, la nueva cinta de Martin Scorsese y nuestros amigos de Cinépolis Sendero nos tienen cinco pases sencillos de regalo para verla, o para ver cualquier otra película de su cartelera. Estos pases solo son validos para ese complejo, cualquier día de la semana. Lo único que tienes que hacer es contestar correctamente al menos dos de las tres siguientes preguntas, en un comentario o contestando al mail luislunas@hotmail.com.

1. En Infiltrados actúan Jack Nicholson, Leonardo Di Caprio y Matt Damon, quienes alguna vez han estado nominados al Oscar, menciona al único que no ha ganado.

2. Menciona al único de esos tres actores que nunca ha actuado en un personaje gay.

3. ¿Quién de esos tres actores ha sido ligado sentimentalmente a Winona Ryder?

Gracias a nuestro amigo Marco de Cinépolis por estas cortesías y estén pendientes, ojala pronto tengamos mas regalos.

RESPUESTAS Y GANADORES

1. El único de los tres actores que no se ha llevado el Oscar a casa es Leonardo Di Caprio, Jack ha ganado tres veces, por Mejor Imposible y por Despertares y por Terms endearment, que en español creo se llamo La Fuerza que nos une. Mientras que Matt Damon ganó en la categoria de Mejor Guión Original de la cinta Mente Indomable, co estrito con su amigo Ben Aflleck.

2. Jack Nicholson nunca a actuado en un personaje gay, Di Capiro si en Eclipse Total y Damon en El Impostor.

3. Matt Damon tuvó un fugaz romance con Winona, antes de que esta se hiciera amante a lo ajeno.

Los ganadores son:

1. Perea de Mividacomoperea.
2. Salvador de El Mudo
3. Alba de Un Arcoiris.
4. José Gpe. Ramírez.
5. Armando de Catarf.


Felicidades, los boletos serán entregados el proximo martes.

La Obsesión de Jack.

El score de la cinta, interpretado por una banda escolar de... ¡percusiones y xilofonos!

Los 50 Millones de Dólares recabados por El Extraño Mundo de Jack no fueron suficientes para considerarla una cinta exitosa, sin embargo cuando la versión en VHS salió a la venta, el éxito de la cinta fue creciendo contundentemente hasta convertirse en un objeto de culto. Y aunque dicen los que saben, el culto lo iniciaron los “darkies” y “punketos”, Jack se ha vuelto venerado por chicos y grandes.

Tanto los aparadores de prestigiosos centros comerciales, hasta los puestos ambulantes de las pulgas y mercados se han visto beneficiados de una extensa gama de productos con la cara o figura de Jack, o cualquier otro personaje de la película, desde figurillas de acción, ropa, mochilas, peluches, disfraces, decoración de Halloween, series de foquitos, hasta los objetos mas inimaginables como relojes, calculadoras, chamarras, pantunflas, brazaletes y hasta estuches para celulares… Todo puede convertirse en un preciado objeto del deseo por sus fans, incluso por aquellos que ni siquiera han visto la cinta.

Pero para aquellos que si la vieron y no se conforman con solo eso, hay todo un universo expandido, para continuar deleitándose con los personajes, con dos juegos de video, una serie de manga, un juego de cartas y los fans que se vuelcan en los millones de paginas que existen en la red sobre el tema, se queman las neuronas tratando de imaginar una continuación en la historia, a tal grado que a circulado una imagen, en la que Jack y Sally, la pareja protagonista de la historia, abrazan a su pequeño hijo.

This is Halloween, versión Marylin Manson.

Estos fans, quizás, son lo que corrieron a ver El Cadáver de la Novia, cinta en que se repitió el equipo creativo y el estilo, de la cual, muchos, resultaron decepcionados, pues esperaban encontrarse ante una cinta similar a El Extraño Mundo…

El rey calabaza, es parte ya, de la cultura popular norteamericana y de muchas otras latitudes, tanto que no es extraño ver en televisión referencias a la cinta, incluso los de Blink 182 hicieron una canción de amor utilizando metáforas del universo “jackiano”…

¡¿Pero por qué tanta euforia por Jack?! Fácil, todos alguna vez hemos sido Jack. Aquí les presento mi pequeña teoría freudiana.

A lo largo de la cinta el protagonista de la historia pasa por tres estados de animo, que todos hemos experimentado alguna vez en nuestra vida.

What's this?, versión Fall Out Boy.

Depresión.

Jack, es el rey de su mundo, un lugar sombrío y oscuro. Y aunque no existe nadie mejor haciendo lo que el hace, esta cansado, deprimido, cree que en la vida hay algo más, algo que no conoce y que se encuentra mas allá de los limites de halloweentown. Por favor, levanten la mano los que alguna vez se han sentido así.

Obsesión.

En su búsqueda, casi por accidente, descubre algo nuevo, alegre y colorido, un mundo colorido al cual cree que pertenece y hace todo lo posible por realizar su sueño, a pesar de que todos a su alrededor le decían que era una mala idea, que el trancazo para despertarse iba a ser muy fuerte, siguió adelante con su plan. Una vez más, levanten su mano los que han experimentado esto con una novia, la compra de algo nuevo, un viaje, un trabajo… ¿Quién dijo yo?

El Duro despertar.

En efecto, Jack se da cuenta que ha cometido un grave error y yace tirado en el suelo malherido, atestiguando como su vida y la de muchos mas se hacen pedazos. Sin embargo, Jack retoma el camino, y a fuerza de buena voluntad reconoce su error y trabaja para remediar la situación, al mismo tiempo que, por ende, encuentra su lugar en el mundo y lo acepta con valentía. ¿Algún valiente que lo reconozca?

A partir del día de hoy, muchos tendremos la oportunidad de ver por fin El Extraño mundo de Jack en una sala cinematográfica, lo cual, ya de por si sería todo un deleite, pero ahora los de Disney nos sorprenden sometiendo a la cinta a un proceso que la convierte a tercera dimensión y relanzándola mundialmente. Dándonos la oportunidad de descubrir, volver a disfrutar, reconocer la cinta y tal vez reconocernos a nosotros mismos como parte de esta entrañable leyenda que muchos llevamos en el corazón.

El Extraño Mundo (tridimensional) de Jack.

Hay una imagen que todo fanático de cine, incluso quién no lo es, reconoce de inmediato; es una figura larga y esquelética, de traje negro, con un murciélago como corbata, una cara redonda, blanca, unos agujeros como ojos y una sonrisa a veces malévola a veces picarona. Se llama Jack Skellington, el rey calabaza y es el protagonista de El Extraño Mundo de Jack (The Nightmare befote Christmas), que esta semana llega a las salas de cine en México… ¡En tercera dimensión!

Todo empezó en 1982, cuando el aún sin canas Tim Burton vio como sobre un aparador la mercancía de halloween era desplazada a segundo plano mientras que la mercancía de navidad lo invadía todo. Así nació The Nightmare before christmas, un poema, escrito e ilustrado por el mismo Burton, en el que se narra con la única presencia de Jack, Zero y Santa Claus, la historia de cómo el rey de halloween pretende robarse la navidad.

Pero pronto Burton, tendría la idea de llevarla al cine, sin embargo el mismo sabía que se enfrentaba a un gran reto, pues de acuerdo a los personajes que tenía en mente y el look que quería darle a la historia requeriría de echar mano de la animación stop motion, con la que el mismo había experimentado en el corto Vincent, una técnica que por su dificultad y meticulosidad nunca se había utilizado para un largometraje. Estamos a principios de los 90’s, Pixar todavía no entraba en la escena, ni mucho menos la animación en tercera dimensión, así que el reto técnico era grande.

Pero esto no le quito el sueño a Burton, quien mas rápido de lo que canta un gallo, inició una compañía productora que pudiera realizar el proyecto, contrataron a mas de 100 artistas, entre pintores, escultores, técnicos y animadores, pero cuando Burton tuvo que ocuparse de Batman Regresa, este le cedió la batuta de la dirección a su amigo y colaborador Henry Selick, aunque Burton estuvo siempre al tanto del desarrollo del proyecto y la cinta se bado en el concepto visual que este ya había elaborado.

Normalmente, en una cinta de animación, primero se desarrolla la parte visual y después se contrata a un grupo de actores para darle voz a los personajes, esta vez, había que hacerlo al revés, había que crear los parlamentos y las canciones, para saber exactamente que movimientos tendrían que hacer los animadores en cada parte. Por lo que Burton mando llamar a su pareja perfecta, Danny Elfman y en lo que ambos consideraran su mejor colaboración artística, Elfman creó la entrañable música y las memorables canciones… ¡sin la existencia previa de un guión! Todo iba creándose de acuerdo a las pláticas que ambos mantenían constantemente.

La animación stop motion, se basa en la creación de movimiento, cuadro por cuadro, de un objeto inanimado con el propósito de darle vida ante las cámaras, de este modo se crearon varios títeres de cada personaje, los cuales fueron construidos con un esqueleto metálico, que permite su movilidad, recubierto por cera moldeada y pintada creando a los geniales personajes. De tal modo que varios equipos de filmación grababan al mismo tiempo las diferentes escenas de la cinta, primero Selick actuaba los movimientos y las actitudes de los personajes y luego los animadores recreaban esto echando mano de las 400 diferentes cabezas de Jack, cada una con la mueca y expresión requerida para dar el efecto de que hablaba, reía o parpadeaba. Utilizando en total 200 títeres y avanzando apenas, un minuto por semana, la cinta finalmente se terminó de rodar en tres años.

Burton y Elfman.

Sin embargo, no muy buenos augurios tendría la cinta antes de su salida, Disney, quién había pactado la distribuiría, dudo que la cinta tuviera un buen recibimiento, considerándola demasiado oscura para los niños, por lo que decidió distribuirla a través de una compañía filial menor, Touchstone Pictures. Finalmente, el 13 de Octubre de 1993, se estrenó la cinta en Estados Unidos, obteniendo 50 millones de ingresos durante esa temporada y recibiendo algunos premios y no nominaciones, principalmente por labores técnicas y por su música.

Sin embargo, nadie estaba preparado para lo que estaba por iniciar, Jack Skellington había visto la luz y nunca más volvería a la oscuridad, el fenómeno, el culto, apenas estaba iniciando…

(Continúa.)

Babel.

© UIP

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.

Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.

Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.

© UIP

Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.

Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.

Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.

© UIP

Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.

La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales… ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.

Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Yo opino: *** ½.

(Babel, Alejandro González Iñarritu, E. U., 2006.)

Beck is back.

Beck, el guerito que fue descubierto en 1991 tocando en una feria gringa canciones folk mezcladas con hip hop y que su primer sencillo Loser lo catapultó a la fama de la noche a la mañana, estrenó disco hace un par de meses, se llama The Information y esta muy bueno. Su música alternativa es la mezcla de varios géneros, como el funky, la psicodélica y denota influencias country, incluso latina, claramente vista en su anterior disco. Este disco es bastante rítmico y conserva el estilo de sus inicios, marcado por las percusiones de primer nivel. E aquí el primer sencillo, Cellphone’s dead, dirigido por el reconocido cineasta Michael Gondry.

The Information esta formado por el cd y un dvd que contiene videos no oficiales de las canciones y alguien ya se tomo la molestia de subirlas a YouTube, lo cual me parece muy bueno, así tenemos la oportunidad de conocer el disco y decidir comprarlo o no, sin necesidad de descargarlo ilegalmente. E aquí los links respectivos.

Elevator Music Think i'm in love (fan art) The Information Nausea No Complaints

Volver.

© El Deseo

Hay quien esta recibiendo la nueva cinta de Pedro Almodóvar con bastante tibieza, quizás por que en ella no aparece Gael García vestido de mujer, no tiene escenas explicitas de sexo, o habla sobre un tema escabroso y morbosamente en voga. Por el contrario, Almodóvar, en un estado más puro, elimina todos los excesos a los que estamos acostumbrados en su cine y se concentra en contarnos una enérgica y conmovedora historia sobre la fortaleza de la mujer, la familia y la lealtad femenina.

La cinta inicia cuando Raimunda, su hermana Soledad y su hija, visitan en su pueblo natal la tumba de sus padres y a su tía enferma. En aquel pintoresco pueblo existe la leyenda que los muertos acostumbran regresar a la vida para ayudar a su familia y atender algunos pendientes. Pronto Soledad y Raimunda tendrán que descifrar si ello sucede en realidad o si son solo cuentos de viejos… ya que hay unos asuntos en las que requerirán ayuda.

La cinta va directo al grano, el guión se escurre con energía y fuerza, revelándose poco a poco, revelando su verdadera naturaleza… ¿es esta una historia de humor negro, es drama, es melodrama, surrealista? Quizás sea un poco de todo, menos surrealista, ya que quizás esta sea la cinta mas apegada a la realidad, al menos la más probable de toda la variada filmografía del director manchego.

© El Deseo

El sólido grupo de actrices, todas ellas bastante exactas, forman un equipo insuperable en la pantalla que lo mismo que pasan sin mucho esfuerzo de lo divertido a lo conmovedor, comandadas todas por un personaje memorable, a cargo de Penélope Cruz, como una mujer fuerte, decidida, “pesada” como la describiría su hermana, una mujer hermosa, que en lugar de sentarse a llorar ante las dificultades, pone manos a la obra y resuelve cualquier problema con la sabiduría y rapidez con la que una ama de casa pone orden en su cocina.

La colorida fotografía nos muestra una España diferente al del resto de las cintas de Almodóvar, una España moderna, globalizada y diversa, donde las jóvenes están enganchadas a su celular, y los inmigrantes latinos le dan un nuevo sabor, una España donde de repente en alguna toma solo aparecen hombres de color. Y todo ello combinado con el ambiente rural de la tierra manchega que vio nacer a Almodóvar, y que sin duda lo influenció cinematográficamente hablando, hasta la fecha. Una tierra árida, donde el viento sopla fuerte todo el tiempo gobernado principalmente por mujeres.

Y es ahí en ese pueblo donde ocurre una escena bastante memorable, donde varias decenas de mujeres de negro, tratan de escuchar las leyendas, presentar sus condolencias a los dolientes y rezar al mismo tiempo.

En resumen, y en mi muy particular punto de vista, una de las mejores cintas de Almodóvar, muy cercana a Todo sobre mi madre, que quizás con el tiempo reciba todo el reconocimiento que se merece.

Yo opino: *** ½

(Volver, Pedro Almodóvar, España, 2006.)

Manderlay.

© IFC Films

Hacia el año de 1865 se abolió la esclavitud en Estados Unidos, liberando así a miles, si no millones, de afroamericanos que había sobre su suelo. Sin duda era lo justo, lo mas humano… ¿Pero estaban listos ellos para ser libres? Manderlay, la nueva cinta de Lars von Trier, inicia con esa pregunta, para después hacer otras muchas y elevar así, una vez más, su crítica hacia Estados Unidos, país que por cierto, nunca ha visitado.

La cinta, forma parte de una trilogía que inició con Dogville, protagonizada por Nicole Kidman, cuyo personaje ahora retoma Bryce Dallas Howard, con una fina y exacta actuación por cierto. Trilogía a la que le dará fin el año próximo con la cinta Wasington (así sin h.). Esta nueva desventura de Grace, el personaje principal, comienza cuando al encontrarse de viaje con su padre y su sequito de gangsters llegan a una plantación de algodón en medio de la nada, donde la esclavitud continúa 70 años después de ser abolida.

En cuestión de minutos Grace con la ayuda de sus compinches, libera a los esclavos, pero cuando esta apunto de continuar con su viaje, descubre que los nuevos hombres libres necesitan algo más.

Tengo miedo de lo que vaya a pasar ahora. -Le confiesa uno de ellos. – No sé si estamos listos para una nueva forma de vida. Cuando éramos esclavos cenábamos todos los días a las 7. ¿A qué horas cenan los hombres libres?

Así Grace decide quedarse en Manderlay y ayudar a la comunidad aprender a vivir en libertad, esforzándose en instalar la igualdad entre los hombres, la sana convivencia y la democracia, casi por decreto.

Y así capitulo por capitulo, vemos como von Trier se pasa por las armas el american way of life, pronto los esclavos dejan de ser esclavos para firmar contratos y ser trabajadores, que tendrán que trabajar forzadamente para cubrir sus deudas, de pronto Grace tiene la misma actitud intervencionista de su país, tratando de convencer a todos que lo mejor es ser como ella y su país. Pero pronto su nueva sociedad toca fondo y hecha mano de otras “gracias americanas” como la justicia y la pena de muerte, que Grace sufrirá en carne propia.

© IFC Films

Nuevamente, Lars von Trier, hecha mano del concepto de Dogville, al rodar la cinta en un enorme estudio negro, con algunas líneas sobre el suelo mostrando la división de los diferentes lugares y con tan solo algunos elementos escenográficos, es decir, como si se tratará de una obra de teatro de Bertolt Brecht, lo cual no es bien recibido por muchos, pero que a mi parecer, le agrega varios grados a su ya de por si densa atmósfera.

Y aunque, como lo dicta el Dogma iniciado por el propio director, la iluminación es bastante elemental, se logra crear una fotografía hermosa y bastante adecuada para la cinta y que ayuda a recrear fielmente el ambiente de una plantación de los años treinta.

Esta es una cinta quizás más digerible que la primera, al menos no tan cruenta, aunque paso a paso, la tensión va creciendo hasta llegar a asemejarse a los límites dramáticos de Dogville, con un par de sorprendentes vueltas de tuerca que al igual que a Grace, nos dejarán con la boca abierta.

Una cinta que no es para todos, pero bastante interesante, de esas que, al finalizar, pueden ser el tema de una larga discusión.

Yo opino: ***.

(Manderlay, Lars von Trier, Dinamarca, 2005.)

Monterrey En el hoyo.

Este Blog se vuelve a vestir de En el hoyo, con el único propósito de comentarles que la cinta por fin se encuentra en la cartelera de Monterrey y que les recomiendo que dejen de hacer cualquier cosa que estén haciendo y corran a verla. Esta cinta sigue cosechando premios en festivales nacionales, internacionales y en estos momentos se encuentra en la carrera para el Oscar (y que muy probablemente resulte nominada, incluso ganadora). Se trata no solo del documental más emocional que e visto, si no también de una de las mejores cintas mexicanas en varios años.

E aquí mi reseña y la cartelera de Cinépolis y MM Cinemas.

Hasta los huesos.

Ya alguna vez les había contado sobre este extraordinario cortometraje mexicano del guionista y director René Castillo realizado en el año 2001 y ahora gracias a la magia de Youtube lo podemos ver. Cuenta con las voces de Bruno Bichir y Eugenia León, cantando La Llorona. Así que en este día tan especial, alléguense unas palomitas, bueno, mejor un pan de muerto, un chocolate caliente y a disfrutar.

Cyber Altar a Mis Tíos.

Desde niño crecí escuchando historias sobre ellos dos, viéndolos a diario en sus retratos que estaban a la vista en la casa de mi Abuela y visitando cada año su capilla. Por eso cuando me encontraba preparando la obra Doña Refugio y su Comadre, no tuve otra opción mas que integrarlos al montaje.

En la obra, Doña Refugio, se encuentra preparando un altar de muertos en su casa, incluyendo objetos e imágenes de todos sus familiares muertos, pero hay dos en especial que menciona con mayor fuerza, su marido y su nuera. Así que para mi fue muy natural poner los retratos de mis tíos fallecidos simulando ser esos dos personajes.
Estos dos retratos, son una copia de los originales, que se encuentran en la capilla donde descansan sus restos.

Al principio mi familia temía que esto fuera irrespetuoso y en algún momento yo también lo creí, sin embargo continuamos con la idea y cuando mi familia vio por primera vez la obra, se convencieron de lo contrario. Ambos cuadros, son para mi, el atractivo escenográfico principal de la obra. Al principio esta cubiertos con una manta negra, pero cuando Doña Refugio esta lista para contar su historia, los descubre y luego nos narra su muerte y por ende una parte de su vida.

La inclusión de estos dos cuadros además, desde mi punto de vista, le da a la obra un tinte personal, una forma de decir que para nosotros es un viaje de emociones y de vida y no un cuento cualquiera.

Hoy, creo mis dos tíos han aprendido a disfrutarlo, se la han pasado brincando de teatro en teatro, a diferentes ciudades incluso y han pasado varias noches colgados en esos teatros solitarios. ¡Tal vez ya les gusto ser artistas!

Por eso hoy, a manera de agradecimiento se los presento.

Ella se llama Sandra, murió muy joven, de una enfermedad que de pronto la contagió. Ella es hermana gemela de mi tía Lety y no están ustedes para saberlo, ni yo para contarlo, pero dicen los que saben, que eran bastante traviesas, chillonas y mimadas. Mi Tío Carlos cuenta que para tranquilizarlas, las tenía que sacar a pasear dándole la vuelta a la manzana. El problema es que había que cargarlas a ambas, una en cada brazo y que en más de una ocasión tubo que pedir ayuda, por que empezaban a resbalárseles entre los brazos. Cuentan también que ambas odiaban la sopa, decían que estaba muy fea, por lo que les contestaban: “pues pónganle florecitas.” Acto seguido, ambas salían al patio, cortaban hojitas de cilantro y con ellas adornaban la sopa y se la comían.

El se llama Ramón, pero todos lo conocemos como Nino. También murió bastante joven, a causa de un accidente de carretera saliendo de un baile, cosa bastante irónica por que el nunca bebía y era un excelente chofer. El era, como decía Virginia Woolf, the angel in the house, era alegre, excelente hijo, excelente hermano, excelente tío, excelente amigo, tanto, que aún y cuando habían pasado años de su muerte, sus amigos seguían visitándolo en la tumba. El trabajaba como transportador de fruta, manejaba un camioncito y se la pasaba en la carretera mucho tiempo, dicen que cuando veía a alguien con problemas en el camino, se detenía siempre y ayudaba en lo que fuera.

A ambos los seguimos recordando, siguen estando presentes en nuestra vida, en nuestra casa y ahora también, en esta obra.

Hoy en su día, gracias por todo.